EL RETRATO CONTEMPORANEO por Robert Lino
El retrato contemporáneo ha cambiado mucho en su mensaje y apariencia. Los clientes buscan imágenes mas reales, con sentimientos y naturalidad. Aunque siempre se preste atención a los elementos básicos como equipo, iluminación, pose, composición y valor artístico de cada obra en muchos casos éstos pasan a ser secundarios dándolo mas importancia a la expresión y sentimiento que lleva la imagen.
Por muchos años los fotógrafos profesionales hemos tomado gran interés en respetar las reglas establecidas para un buen retrato. Hoy en día muchas de esas reglas son rotas para lograr el objetivo de proyectar una imagen llena de sentimiento y a la vez de apariencia muy natural y poco posada. Para esto es muy importante conocer y comprender estas reglas, así podemos anticipar el efecto que hacer lo contrario nos va a proporcionar. No es solo romper reglas por el simple hecho de romperlas.

El primer concepto para incorporar un realismo emocional en nuestro trabajo es una verdadera comunicación con el cliente. Es importante entender cuales son los motivos que han traído a esta persona hasta nosotros y cual es el mensaje que éste quiere captar en su retrato. Mucho mas que ser fotógrafos, debemos convertirnos en amigos, brindándoles la seguridad y autoestima que muchos necesitan para sentirse a gusto frente a nuestra cámara. Mas que dirigir o pedirle a nuestro cliente lo que nosotros queremos que él haga, es muy importante observarlo detenidamente, con discreción, tomando en cuenta sus gestos, reacciones y lenguaje corporal cuando éste está fuera de la toma. Tal vez un gesto suyo, ó la posición de las manos de esta persona, no siga al pie de la letra las reglas de cómo posar para un retrato, pero a su vez, el simple hecho de romper esta regla nos proyecta el mensaje de nuestra imagen.
La habilidad para proyectar sentimientos en una imagen no es algo muy fácil de enseñar. Requiere mucha observación a atención a pequeños detalles. Es importante mantener los ojos bien abiertos, mirar con detenimiento a nuestro alrededor. Como se comporta la gente, como reaccionan a diferentes situaciones, que gestos o expresiones hacen que proyecten sus sentimientos. El cine o las vallas comerciales son una gran vía de aprendizaje. Cuando tenemos una imagen gigante, con una persona de cerca, el mas mínimo gesto nos demuestra lo que esta persona siente.

Otra buena idea es observar con detenimiento cada imagen que se presente ante nuestra vista. Interpretarla y crear una historia describiendo lo que vemos. Luego identificar los elementos de la imagen que nos han provocado esa interpretación. De esa manera, cuando queramos proyectar nosotros este sentimiento sabremos que hacer para lograrlo.

Uno de los ejemplos mas común de este estilo de fotos son los retratos de boda y parejas.
Los clientes de hoy no quieren imágenes tensas y faltas de expresión. Las parejas están llenas de amor y pasión y quieren mostrar esos sentimientos en sus retratos. Como primera regla, debe limitarse el número de fotos que hacemos con los sujetos mirando a la cámara y riendo. Si posamos a nuestros clientes, de manera correcta y favorecedora a su figura, pero a la vez en un estilo interactivo, mirándose en tres si, recostado uno sobre el otro, con su interés en otro lugar que no sea nuestra cámara, éstos van a proyectar una imagen mucho mas natural y espontánea.
En vez de colocar sus manos correctamente una sobre otra, bien posadas, deje que ella deslice sus dedos suavemente entre los cabellos de él, ó le acaricie su nuca, mientras él la toma de la cintura y se miran sonrientes, incline un poco la cámara, para crear un aspecto mas informal. Durante los pasos de la boda, como la misa, intercambio de anillos, brindis ó baile, no llame la atención de las personas hacia la cámara, capte el instante tal como fue. Haga siempre algún retrato tradicional mirando a la cámara pues siempre lo van a pedir, pero solo unos pocos, el resto mas casual.
El mismo concepto aplica a retratos de familias o niños. Siempre los padres quieren que su niño se ría y mire al fotógrafo, pero esto no es siempre necesario ni artístico. Capte al niño o a la familia tal como son, con su personalidad y en actividades, no es solo crear un mapa de la cara del sujeto, vamos a crear un retrato de su personalidad.

En el segmento anterior (Como Grabar Mejor video Parte 1), se explico como sostener y controlar la cámara cuando se esta grabando, ahora vamos a hablar de lo que se tiene que grabar en un evento social. La mayoría de nosotros comenzamos el día grabado la novia o quinceañera arreglándose en su casa y cada uno de nosotros tiene su propia idea de hacerlo, así que no hablare mucho sobre el estilo por la razón de que algunos prefieren hacerlo a su manera. Lo principal en la parte de la casa es grabar a la novia o quinceañera con su familia a el vestido y sus artículos del evento.


Muchos Videografos todavía siguen grabando estos uno por uno de manera fotográfica, o sea que le graban a cada cosa con la cámara de video sin ningún movimiento como si le estuvieran tomando una foto o por lo mucho le hacen un acercamiento con el “zoom”. No les voy a decir que esta mal pero si les voy a decir que es aburrido, los clientes de hoy en día esperan algo nuevo y mucho mejor y es donde se pueden aplicar las técnicas de grabar con movimiento que les explique anteriormente (Como Grabar Mejor Video, Parte 1). También se puede utilizar dos artículos en una forma tomándole video de uno al otro, un articulo estando enfrente y el otro atrás y enfocando de uno al otro, a esto se le llama ‘enfoque selectivo’. La idea es hacer algo nuevo y diferente y salir de lo antiguo, recuerden que para poder cobrar mas por su video tiene que ser mejor y diferente pues si el videografo de la siguiente cuadra hace exactamente el mismo video que tu, entonces el cliente escogerá el que cobra más barato.


Ahora hablemos de las tomas en la iglesia. La Iglesia es un poco más difícil por las restricciones que imponen las Iglesias donde trabajen. Por la mayoría del tiempo la Iglesia Católica son las mas estrictas. Dependiendo de los límites de la iglesia, es lo que tienen que elegir para grabar, muchas veces las reglas limitan grabar en el altar. En esta ocasión se tienen que preguntar, ¿Cual es el mejor ángulo para capturar lo más importante de la ceremonia? ¿Que es lo mas importante? Necesitan preguntarle a su cliente, y preguntarle antes del día del evento.



Si no han trabajado en la iglesia anteriormente, les recomiendo que la visiten antes del día del evento. Pregunten por la coordinadora o la persona que se encarga de coordinar losl eventos. Pregunten donde pueden colocar su cámara y demás equipo, si utilizan micrófonos revisen que las frecuencias no interfieran con las del sistema de la iglesia. Observen la iluminación y pregunten restricciones sobre la iluminación durante la ceremonia. Hoy en día más iglesias restringen el uso de luz artificial en cámara. Observen y anticipen los obstáculos que obstruyan el ángulo de la cámara como floreros, candelabros u otras cosas. Igualmente observen las ventanas o puertas que puedan causar contraluz. Yo les recomendaría que atendieran el ensayo pues de esta manera observaran todo lo que se llevara a cabo y anticiparan sus movimientos, especialmente si los padrinos subirán al altar y de repente les obstruye la vista a los novios o quinceañera. Recuerden que no tiene que haber excusas por parte de ustedes por haber fallado en capturar algo importante, son profesionales y deberán de estar preparados para cualquier percance.


Un videografo realmente profesional usara micrófono inalámbrico para capturar el audio de la ceremonia directamente a la cámara. Si no usan micrófonos para capturar el sonido de la ceremonia solo están haciendo la mitad de un trabajo. Cuando ven una película o programa de televisión ¿que escuchan? el audio muy claro ¿verdad?


El micrófono de su cámara no es suficiente para capturar el audio mas lejos de un par de pies en frente de la cámara, y aun así este tipo de micrófono es muy malo para capturar buen audio en lugares como las iglesias. Si es una boda se tiene que capturar por lo mínimo el audio de los votos de los novios. Para esto se le coloca un micrófono tipo ‘Lavadeer’ al novio. Este captura el audio dentro de un área de 3-5 pies alrededor, así que captura el audio de la novia y el del padre o ministro si se encuentra dentro del área mencionada. Muchos Videografos usan micrófonos semi-profesionales que son de frecuencias bajas de 600 Mhz o menos, estos son conocidos como VHF, aunque estos micrófonos son baratos suelen perder la señal o capturar varios ruidos e interferencias. El tipo de micrófono más recomendable es de frecuencias arriba de los 800mhz o mejor conocidos como UHF. Los micrófonos más profesionales consisten de doble recibidores o mas conocidos como “diversity”, de esto hablare en otro articulo. Recuerden que el audio es igual o mas importante que el video, si no se oye bien o se le entiende no interesa como se vea.


Continuemos con el video de la sección de fotografía o mejor conocido como en el parque. De nuevo nos vamos a encontrar con controversia en como grabar este lugar. Muchos graban su propia historia, otros graban simplemente lo que el fotógrafo hace. Aquí yo solo les digo lo que los mismos clientes me dicen: “Para que quiero ver video de lo mismo que el fotógrafo esta tomando, ya tengo las fotos para que quiero verlo en video” Yo por lo personal estoy de acuerdo. Para mi es importante tratar de capturar lo que el cliente no ven o lo que esta pasando detrás de las escenas, o tratar de hacer algo diferente y divertido. Cada quien tiene su manera de pensar así que se lo dejo a su criterio pero tengan abierta su mente y traten algo diferente.


La Recepción es más sencilla, porque aquí se tiene que grabar el momento sin tanto dramatismo. El uso de un trepie en la recepción debería ser mínimo dependiendo de cómo trabajan, algunas personas no tienen buen pulso o se cansan muy fáciles. Esto es decisión personal pero en mi gusto personal es no utilizar trepie durante toda la recepción por la razón de que quiero estar en donde esta el centro de atención sin que me restrinja el trepie. Lo mas impórtate de capturar la recepción es capturar todos los momentos mas importante sin falta del baile. Mi gusto personal es grabar a todos los invitados y especialmente aquellos que se divierten más. Aunque si les grabo a los novios o Quinceañera no le dedico toda la atención a solo ellos porque después de uno 30 segundo de estar grabando a la mismas personas se hace aburrido el video, por eso capturo un poco de cada uno de todos los invitados. Un video que no es aburrido es un video que tiene varias tomas diferentes y no uno que se mira lo mismo.

Como Grabar Mejor Video

Si hacen un buen trabajo planeando el evento y aconsejando a sus clientes tener todo preparado y con un horario pre-planeado no necesitara estarse toda la noche en el evento para capturar lo imperante. Pueden hacer su trabajo y terminar temprano para poder ir a su casa a descansar, no le den prisa al cliente pero recuérdenle que después de estar con ellos todo el día ya están igual de cansados que ellos, si son buenas personas ellos entenderán y harán lo que ustedes les recomiendan. Recuerden que el planeamiento aumenta la posibilidad de un video bien capturado y un cliente muy contento. Les deseo suerte y no se olviden que necesitan cobrar mejor si su trabajo es mejor!


Carlos Ornelas es un Videografo en la área de Los Angeles que se enfoca en video de bodas y quinceañeras exclusivamente por los últimos 16 Años. Para mas información en su trabajo pueden ir a su Website, www.CarlosOrnelas.com

MANEJANDO EL COLOR Y LA CALIDAD DE MANERA FACIL Mtro. Anselmo Rascón PPA Certified F-PPC MFC M-SMFP


Sábado en la mañana como muchos otros, estoy checando mi cámara, memoria y sobre todo cargando las pilas de mi flash, se que es lo mas importante para mi evento, antes de llegar a la casa de los novios pongo mi flash montado sobre la cámara lo pongo en TTL, mi cámara en programa y listo.



El sábado en la noche me dispongo a bajar las imágenes a mi computadora, cual es mi sorpresa cuando me encuentro que la mayoría de mis imágenes tienen algún tipo de problema, ya sea que el color no es el real, o la iluminación carece de calidad, las imágenes exteriores están quemadas en los blancos y las de interiores aparecen todas bajo expuestas y amarillas.



Tengo 800 imágenes y mi experiencia en Photoshop no es tan grande como para poder arreglarlas, pero por la necesidad, me dispongo a hacerlo; después de 10 o 12 horas de trabajo, todas están como yo quería y están listas para mandarlas al laboratorio, algunos días más tarde recibo mi paquete con todas mis fotos listas para entregar.



Al abrir el sobre, me encuentro con unas fotografías demasiado obscuras y con colores raros, como rojas o amarillas, me jalo los cabellos y finalmente se las llevo a mis clientes esperando que no lo noten, pero no es así y de mala gana las reciben y me piden que les haga un descuento en el costo del contrato.


Había escuchado acerca del control de color y calidad, pero nunca fue importante para mi, me dijeron que tenemos que calibrar nuestros monitores para poder ver los tonos y colores reales y que tenia que agregarles un profile de colores para que el laboratorio las vea igual que yo, de esa forma mi calidad seria todo el tiempo pareja y sin cambios.



Así que para mejorar mi calidad lo primero que empecé a hacer fue, conocer mi cámara, tiene un modulo para ver las imágenes que se encuentra en el menú principal, y este me da una lectura de la historia de la calidad de mi imagen, se trata de una serie de barras verticales llamado “Histogram”, para entenderlo, empezare por explicarles que las barras izquierdas son los tonos obscuros, y en medio los tonos medianos, y por ultimo a la derecha tendremos los tonos claros.



Una lectura aceptable es cuando las barras no chocan en la parte superior, pero tampoco están tan pequeñas, si dividimos estas barras en 255 tonos de luz, encontramos que la lectura ideal del lado izquierdo es cuando empiezan mas o menos en el numero 17, o sea que no empiezan en la orilla, sino un poco mas a la derecha, de esta forma nuestras sombras y tonos obscuros tendrán detalle, y la lectura de los claros es cuando termina mas o menos en 221, o sea antes del blanco total, de esta forma los vestidos y cosas de color blanco tendrán detalle en todos los adornos, recordemos que el negro total no tiene detalle así como el blanco total tampoco lo tiene.



Entendiendo mi Histogram, puedo ver el resultado de mi exposición al instante, ya se que no tengo fotos sobre expuestas o bajo expuestas.



Aun así mis imágenes requieren de un ajuste pequeño en los colores, esto lo controla el White Balance, entonces vamos a empezar con la cámara de nuevo, nos vamos a ir al menú de la cámara y a los ajustes de blancos “White balance setings” y lo vamos a poner en automático, antes de empezar a retratar, buscaremos algo que se encuentre completamente “blanco”, en el caso de una boda, podemos escoger el vestido de la novia, si vamos a usar flash en nuestra sesión para relleno, entonces lo encendemos y lo ajustaremos de manera que ilumine una área que escogeremos con nuestro zoom, de esa manera, tomaremos una foto a esa área que nos servirá de guía, si pensamos usar la luz ambiental, entonces no encendemos nuestro flash, así que tomando en cuenta estos datos sacaremos una fotografía con automático en la cámara de esa área de referencia.



El siguiente paso será cambiar nuestro ajuste de blancos “White balance setings” a “Custom white balance”, y nos iremos al menú de la parte de atrás de la cámara (estos pasos son tomando en cuenta una cámara Canon, otras pudieran variar el lugar donde se encuentran estos comandos), ahí buscaremos el ajuste de “Custom white balance” y presionaremos el botón que se encuentra adentro del “Quick control dial” para seleccionar este comando, entonces nos indicara la cámara que escojamos una imagen como base para los blancos, aquí seleccionaremos la imagen que acabamos de tomar como base, y nos servirá para que la cámara haga los ajustes necesarios para que nuestras imágenes tengan un color real.



Cabe notar que no tiene que ser el vestido, pudiera ser una hoja de papel blanco y si es posible porque no? Una tarjeta gris.



También podemos utilizar el “Expodisc” sobreexponiéndolo al lente que estemos usando, este método en mi opinión personal, funciona mucho más exacto. Cabe notar que estos ajustes nos servirán mientras estemos trabajando en las mismas condiciones de luz, cuando cambiamos de luz ambiental, tenemos que realizar la operación de la misma forma que la hicimos.



En exteriores y de día, la mayoría de las cámaras no tienen ningún problema en manejar el control de blancos en automático, y esto nos hace el trabajo más fluido y eficaz.



Para continuar en nuestro estudio en la zona de edición, encenderemos nuestro monitor, de preferencia que sea CRT, pues nos dará una mejor gama de colores, lo dejaremos calentar por lo menos 15 minutos, y cargaremos una imagen con barras de colores trataremos de ajustar que los colores vean reales, cuando tenemos lo que se piensa es lo mas real, lo mandamos al laboratorio para imprimirlo, aclarando que no se ajusten los colores en lo mas mínimo, cuando tenemos nuestra imagen impresa, la compararemos con el monitor y haremos los últimos ajustes de manera que la imagen se vea igual.



Esto es usando una forma barata, fácil y rudimentaria, lo mas apropiado, será usando un calibrador de colores electrónico, yo uso el Spyder, es económico y fácil de usar.



Ya que se ha ajustado el monitor, preguntar al laboratorio, si utilizan “Color profiles”, si es así, entonces vamos a solicitar una copia, y cuando nuestra imagen se encuentra lista en el programa de edición, se vamos a aplicar el “Color profile”, y esto nos hará ver la imagen como la verán en el laboratorio, de ser necesario ajustaremos nuestra imagen un poco para saber como la van a imprimir, esto no quiere decir que tenemos que omitir calibrar el monitor, solo que los profiles interpretan cómo las impresoras leen los colores, sin ellos no tendríamos el color controlado.



Llevando a cabo todos estos pequeños procedimientos regularmente, la calibración del monitor, de la cámara y el profile de color, mantendremos una calidad constante, no importa cuantos problemas se nos presenten en la sesión fotográfica.



Así que ahora cuando vamos a realizar algún evento, no solo será importante cargar nuestras baterías, flash y cámara, sino recordar hacer un ajuste personalizado de color para cada situación.

El pasado 8 de marzo realizamos un seminario con el fotografo y artista Hernan Rodriguez.
Aqui algunas de las fotos que tomamos del seminario.

Estas son algunas de las imagenes que capturamos en la convencion de NAB, a la que en este año, han asistido mas de 80 mil personas.

Hoy llegamos de la convencion WPPI, estas son algunas fotos.
Fotos por: Miguel de la O




Hoy llegamos de la convencion WPPI, estas son algunas fotos.
Fotos por: Miguel de la O

Fotos de la pasada convención de PPC (Fotógrafos Profesionales de California) en la ciudad de Pasadena Ca. ( Fotos de miguel de la O y Alfredo Eufracio)

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Punto May 09 Web

CREATIVIDAD, LA CLAVE PERDIDA

Por Carlos Ornelas

 

Antes que nada quiero desearles que sus nuevas metas para el 2007 se les concedan. En este artículo me voy a desviar un poco de técnicas y temas sobre video, porque es la época donde tenemos que planear nuestras metas de negocio para todo el año, así que tomen este artículo como un despertar para levantar su moral y creatividad.

 

Es muy chistoso como es bien fácil caer en la rutina, todos lo hacemos tarde o temprano. Es fácil seguir haciendo todo igual porque es lo que sabemos hacer bien, pero no hay que temer a los cambios, “El cambio es Bueno”. Ahora que empezamos el nuevo año, tenemos la oportunidad de hacer nuevas resoluciones o más bien empezar las metas que necesitamos para lograr ser mejores y ganar más.

 

Algunos de ustedes se preguntaran, ¿porque cambiar? si el dicho dice “Si no esta descompuesto, no lo arregles”. Pues sencillamente porque nuestra profesión es arte y si todos hacemos exactamente lo mismo entonces deja de ser arte para convertirse en un producto. Entiendo que se puede alegar que hay reglas y todo tiene su manera de hacerse, pero eso no quiere decir que todos lo tenemos que hacer exactamente igual.

 

Hace algunos años, cuando todavía tomaba fotografía de eventos, nos encontrábamos con otros fotógrafos en el laboratorio. Todos, incluyéndome yo mismo, siempre queríamos ver las poses de los demás para tratar de copiarlas y hacerlas también igual. Después de un tiempo me fije que todos los fotógrafos del área, hacíamos casi las mismas poses y muy raro se miraba alguna nueva. Muchos de nosotros competíamos por el mismo cliente y éste, al ver que todos hacíamos lo mismo, basaba su decisión en el costo o en la cantidad de fotos de los paquetes. Hubo un tiempo donde todos escondíamos lo que hacíamos para que, según, no nos copiaran y es cuando recuerdo que había un sentimiento de envidias y odio entre muchos fotógrafos.

Ahora regresemos al presente, ¿Creen que ha cambiado mucho esta manera de trabajar? ¡Desafortunadamente no mucho! Claro, podríamos decir “Ya ofrecemos nuevos álbumes, capturamos en digital, tenemos nuevas poses, etc., etc.” ¿pero, se han fijado en su competencia?, ¿que hacen ellos?, ¿lo mismo?, no es tan fácil decirle al cliente “Es que yo tengo mejor equipo, o tengo mas experiencia! Al cliente no le interesa que te acabas de comprar tu Canon 5D o tu Nikon D200 o si tienes 20 años tomando fotografías, especialmente si haces las mismas poses que el fotógrafo que tiene solo 3 años de experiencia. Al cliente sólo le interesa que beneficio tendrán al contratarte a ti o al otro fotógrafo si los dos hacen lo mismo. Pero en cambio si tú haces algo diferente a los demás, y ellos no lo hacen, entonces el cliente tendrá una mejor razón para contratarte a ti.

Si todavía estas leyendo esto es porque sabes que necesitas hacer un cambio y te estarás preguntando, ¿Que necesito hacer entonces? Esto se puede contestar con evaluar lo que haces actualmente y preguntarte ¿Qué puedo hacer para mejorarlo? No lo contestes diciéndote “Quisiera hacer lo mismo que el fotógrafo X”, eso no es la solución. Tienes que pensar en lo que puedes hacer para mejorar cada una de las cosas que haces! Por ejemplo, cuando estas tomado una foto, ¿Qué puedes hacer para que se mire mejor? ¿Buscar un diferente ángulo? ¿Pedirle al cliente más participación para posarlos con más emoción? ¡Que no les de vergüenza o flojera! esta es la razón numero uno que padecemos la mayoría de nosotros, y por ultimo le echamos la culpa al cliente. Siempre decimos “Es que no se prestaban para tomar las fotos” cuando la razón fué, que no le dimos la dedicación y el esfuerzo que se necesita para hacerlo; nosotros somos los profesionales y tenemos que saber que hacer en cualquier situación, sea fácil o difícil.

Si necesitas empezar 2 ó 3 horas antes de la ceremonia, y quedarte casi hasta el fin de la recepción para poder tomar mejores poses ¡Hazlo! No porque te pagaron menos quiere decir que no vale la pena darle eso al cliente. Te estás engañando a ti mismo y estás dejando el concepto a tus clientes y sus familias (futuros clientes) que es lo máximo de tu potencial. Si quieres ganar más necesitas valer más, porque si haces lo mismo que otros que cobran menos entonces no hay razón para pagarte más.

La creatividad es una forma de expresión personal, no es algo que te enseñan o miras en un libro o revista, es lo que te convierte en un artista y no en un fabricador. Cuando estas vendiendo tus paquetes al cliente ¿de que les hablas? ¿De las fotos que tiene el paquete ó, del modo que los vas a reflejar en sus fotos y que será lo mejor? Cuando eres creativo y le muestras a los clientes fotos y/o video clips creativos ellos mismos se van a vender. ¿Como hacerlo más creativo? ¿Que es creativo para ti? Busca lo que te atraiga más en trabajos de otros y crea una o tu propia combinación. No necesariamente hagas todo lo que sólo un maestro hace, trata de combinar tu estilo con el de varios que te gusten a ti. Crea algo diferente, no la misma toma, observa las ideas detrás de la foto y no sólo la poses. Busca ángulos diferentes, nunca sabes cuando vas a encontrar algo que te guste si no lo buscas. Crea tus propias poses como si fuese tu firma, esa será una pose diferente a los demás fotógrafos y esto hará diferente tus fotografías, hazlo saber a tus clientes.

Al cliente hay que hablarle bonito, siempre apoyar y complementar sus decisiones. ¿Quién va a querer contratar a una persona que está en contra de uno? Por lo menos yo no. Por lo general le digo a mis clientes que tienen que contratar a alguien con quien estén bien a gusto, porque esta persona estará con ellos TODO el día, y aunque éste fotógrafo sea el mejor del mundo pero están constantemente batallando con él, entonces les hará sentir mal a ellos, a sus familiares y el evento no lo disfrutarán. Al cliente te lo tienes que ganar para que tenga confianza en ti y se sienta a gusto contratándote. El cliente que busca el mejor precio no es el mejor cliente para ti, y casi siempre estas son las personas que te dan más problemas. Si quieres mejores clientes cambia tu estrategia, busca clientes que estén dispuestos a invertir en sus memorias y que no vean el servicio como un gasto. Es difícil convencer a un cliente que sólo piensa en el precio, pues están enfocados en sólo eso, tienes que motivarlos a sentir que lo demás es tan importante como el precio.

Lo más impórtante es dejar de pensar como antes, estamos en una nueva era, los clientes son de nueva generación, ya no son los mismos emigrantes que venían de otro país, ahora son personas que crecieron y se educaron en los Estados Unidos y tienen otros conceptos. Estas personas quieren algo mejor y no lo que sus padres tuvieron en su boda o quinceañera, esto para ellos es anticuado. El cambio se tiene que hacer, y es responsabilidad de ustedes estar al día o quedarse en el pasado; el cliente buscará lo más nuevo y mejor. Les deseo suerte y los quiero ver a todos cobrando el doble a finales del año.

 

Su amigo y colega, Carlos Ornelas

Miembro de SMFPAC, FVPBC, WEVA y AMPESAV

Carlos estará dando seminarios en las convenciones nacionales de SMFP y AMPESAV, para más información vayan a www.CarlosOnelas.com

EL RESURGIMIENTO DE LA FOTOGRAFIA Y UNO DE SUS RETOS

La fotografía como todos los adelantos de la ciencia no podía ser la excepción en los avances. Cuando se pensaba que el formato medio, de rollo (análogo) seria lo ultimo, surge la corriente digital.

 

Al principio con dudas y miedo fue implementada por algunos fotógrafos atrevidos, otros decían, la fotografía digital nunca va a superar la calidad del rollo, pero en su afán por conquistar este nuevo mercado, compañías como Canon, Nikon y Kodak, estuvieron peleando hombro con hombro por ganar el nuevo mercado digital.

Las primeras cámaras digitales accesibles a fotógrafos profesionales ofrecían solo 3mp de calidad, lo que era muy poco para aquellos acostumbrados a la calidad análoga.

Con el tiempo salieron al mercado cámaras de 6.2 mp y así sucesivamente hasta llegar a la fecha las de 12 mp en cámaras digitales SLR y 32 mp en formato medio digital (Hasardblad).

El siguiente reto para la mayoría fue el de empezar a dominar el nuevo equipo, ya que el sistema digital tiene diferente forma de capturar la imagen y diferente rango dinámico en cuanto a detalles.

Acostumbrados a exponer sobre las sombras e imprimir tomando como base los blancos, fue frustrante para muchos el poder entender que lo digital funcionaba totalmente de manera contraria.

En digital nos encontramos con que tenemos que exponer a los blancos e imprimir los tonos obscuros, el motivo es que en la información digital el blanco es cero información, mientras que el negro esta cargado de números, viéndolo de otra manera, nos encontramos que cuando una imagen digital esta quemada (sobre-expuesta) carece de información y será muy pequeña en tamaño, mientras que una imagen obscura tendrá un tamaño mayor porque tiene mas información.

Como nos afecta? Si el archivo no tiene información, o sea que esta muy blanco, la computadora no pueden inventar píxeles (piezas de información) cuando no las tiene, y cuando esta mas oscuro, la información esta allí, y para hacerla mas clara, lo único que tiene que hacer es, cambiar el color de los píxeles ya existentes para darle esa tonalidad mas clara.

Aunque existen limitaciones en cuanto se pudiera componer una imagen cuando esta muy negra, se puede agregar una tonalidad mas clara, pero también se tiene un limite, cuando se rebasa ese limite nuestra imagen comenzará a perder calidad y a incrementar el ruido (que en análogo llamamos “grano”), el equipo actual, a mejorado muchísimo la calidad y el ruido (grano) cada día es menor, en ajustes de ISO altos, cámaras con ajustes de ISO hasta de 6400 como la Canon Mark III, muestran una cantidad de ruido mínima comparada con sus antecesoras aun ajustadas a un ISO inferior.

Otra cosa que se ha mejorado es el HDR (High Dinamic Range) que es lo que controla los extremos en nuestra imagen de 0-255 de negro a blanco, y ha sido en el mismo porcentaje que los otros aspectos técnicos.

En este momento, ni el formato digital diseñado para Hasardblad de 32mp tiene el rango dinámico que nuestros ojos pueden ver, pero tenemos técnicas que podemos emplear en programas de manejo digital para suplir estas deficiencias.

Simplemente podemos disparar varias imágenes en diferentes aperturas cubriendo todos los tonos, algunas cámaras lo tienen automático con ajustes manuales de cuanto es el incremento, Canon tiene ABE (Auto Braketing Exposure) y se puede cambiar en incrementos de ½ 1/3 o en 1 paso completo, la primera imagen la toma de manera normal, y si se ajusto ½ paso, la segunda será ½ paso mas clara, y por ultimo, la siguiente foto será ½ paso mas obscura.

Si tu cámara no tiene esto, todavía podemos hacerlo de manera manual, tomamos la primera fotografía con los ajustes que nos de una lectura normal el medidor de luz, la segunda, la vamos a sobre-exponer para dejar que las sombras tengan detalle, y por ultimo, la siguiente fotografía la tenemos que bajo exponer para que no se quemen los blancos y tengan detalle, es muy recomendable usar un trípode al hacer estas tomas ya que de esa manera todas estarán en el mismo punto y serán una copia exacta de la primera, con la diferencia de la iluminación.

Ya teniendo estas tomas podemos utilizar diferentes técnicas en cualquier programa de manipulación de imágenes digitales, (en este caso voy a hablarle de Photoshop CS2).

 

Primero se selecciona “File”, después “Automate”, enseguida “Merge to HDR”, ya dentro de la ventana del plug-in, se puede seleccionar los ajustes por “Files”, “Fólder” o “Archivos Abiertos”, ver ejemplos. Así podrán ver, que el reto más grande que nos da el sistema digital de no quemar los blancos y sacar detalle en las sombras, esta resuelto.

 

Continuamos en otra ocasión con más de digital.

EL RESURGIMIENTO DE LA FOTOGRAFIA Y UNO DE SUS RETOS

por: Maestro Anselmo Rascón

Si tienen alguna duda me pueden mandar un correo a: [email protected]

 

o pueden ver más acerca de mí en:
www.rasconphotography.com
www.arascon.us
www.puntomagazine.com 
www.fvpbc.com
www.smfp.com

Si tus ojos no ven, dale alas a tu imaginación

EDITANDO VIDEOS por Jorge Torres

 

Hoy en día muchas personas hacen videos y tanto los profesionales como los aficionados editan sus grabaciones en un intento por producir programas que sus clientes –o familiares y amigos– puedan disfrutar. Desafortunadamente, a pesar de su buena intención, muchas veces los resultados no son videos exitosamente editados.

 

Vamos a echarle un vistazo a siete errores de edición muy comunes (así como a algunas de sus consecuencias y posibles soluciones) para que tú estés conciente de ellos y hagas todo lo posible por evitarlos de manera que tus creaciones en video tengan un verdadero aspecto profesional.

1. “TARDANZA” (para empezar a editar) .
Si tú piensas que debes empezar a editar tu material hasta que has terminado de grabarlo, debes pensarlo otra vez. Los profesionales generalmente empiezan a editar sus programas desde una etapa muy temprana en el proceso de crear sus videos. A saber, durante la fase de planeación y de Pre-producción.

 

Incluso para un video de boda, por ejemplo, para el que realmente no se requiere un guión o un storyboard, anotar una lista de todos esos planos esenciales que tú no quieres perderte, te dará una mejor oportunidad de grabar todo el material necesario y suficiente, con el cual trabajar cuando llegue la hora de editar. Planea tu grabación.

Ya en la fase de Producción –la grabación real del material–, no olvides usar esa lista de planos y prepárate para grabar ángulos adicionales así como imágenes y sonidos inesperados, para que puedas proporcionarle al editor de tus videos, (que bien puedes ser tú mismo) una gran variedad de tomas, que permita por lo menos construir un video bien editado. Graba lo que planeaste; recuerda que debes tener la edición en mente desde mucho antes de que empiece la grabación. De otra forma, tu pobre editor podría verse forzado a cometer algunos otros pecados, incluyendo el 3, 4, 5 y 7. 

2. “SUMISIÓN” (del arte y buen oficio de editar ante la tecnología).

Aunque es perfectamente correcto que tú trates de trabajar con los mejores hardwares (equipos) y softwares (programas) que se pueden conseguir hoy en día, eso no garantiza que tus trabajos serán los videos que mejor se hayan editado jamás. Por supuesto que es maravilloso tener equipos de muy alto nivel (incluso es obligatorio en algunos trabajos). Pero aceptémoslo, resulta prácticamente inútil cuando no sabemos realmente qué hacer con él; saber qué es verdaderamente la edición, estar conciente de sus funciones básicas, sacar ventaja de todo tipo de técnicas para editar, aprovechar al máximo las transiciones (especialmente cortes directos y cortes que se pueden disolver entre si), son las cosas que te harán ejecutar maravillas independientemente del equipo de edición que utilices.

Por lo tanto, ten cuidado. Creer que teniendo los sistemas de edición más costosos y complejos te hará automáticamente un mejor editor podría solamente hacerte perder de vista lo importante, limitar de alguna forma tu creatividad e imaginación, y desperdiciar mucho dinero en el proceso.

 

3. “OMISIÓN” (de una estructura y/o concepto para el programa).

 

Mucha gente que se esfuerza por editar sus videos parece no tener en cuenta que los espectadores de sus programas son personas que seguramente –en mayor o menor grado– han visto televisión y cine a lo largo de toda su vida. La mayoría de los programas en la televisión y las películas en el cine suelen tener por lo menos una cosa en común: cuentan historias. Si bien hay muchas formas de contar historias, casi siempre las narraciones tienen una estructura que todos los espectadores hemos aprendido a identificar, a entender, y con la que solemos sentirnos cómodos. Como mínimo, esas historias tienen bien definidos un inicio, un desarrollo y un final.

Esto es lo que muchos editores principiantes o inexpertos suelen omitir, es un error porque, después de todo, al realizar videos, lo que han adoptado es una forma de expresión que tiene su propio lenguaje, un lenguaje que los espectadores hemos aprendido a “leer”, y que todo videógrafo que se respete debería aprender también a “escribir”.

Cuando hablo de un inicio y un final bien definidos, me refiero a esos programas y películas donde lo que ocurre al empezar la historia se corresponde, se complementa, y/o guarda una simetría con lo que ocurre al final; además, el inicio de la narración suele ser lo suficientemente fuerte e interesante como para atrapar la atención del espectador y el final es trabajado con mucho cuidado para que tenga el mismo nivel de impacto y deje satisfecho a todo el público. En cuanto a la parte media... bueno, los profesionales normalmente tejen sus historias en torno a un concepto o -hilo conductor- que suele ser una idea bastante simple pero que ayuda a dar coherencia e interés a la narración.

Sin una estructura y un concepto, nuestros videos no son realmente programas como los que los espectadores están acostumbrados a ver y esperan ver. Por eso, el pecado de omisión puede traer como consecuencia que nuestros espectadores no nos concedan su atención ni su interés ó que queden confundidos, aburridos y que lamentablemente, nuestros videos no alcancen sus objetivos: entretener, entrenar, motivar, persuadir, etc. 

4. “DESCUIDO” -incluyendo planos que no y excluyendo planos que sí deberían estar-.

Un error muy común cometido por editores principiantes o inexpertos consiste en usar en sus videos, planos que aportan muy poco (o nada) de valor a la historia, pero que quedan incluidos en la edición final solamente porque contienen imágenes “muy bonitas”, o porque costó mucho trabajo grabarlos, o sencillamente porque son parte de lo que el camarógrafo envió, y como ya están ahí, ni modo de desperdiciarlos, ¿correcto?. Incorrecto. Recuerda que, entre otras cosas, un editor de video debe desarrollar la habilidad para tomar decisiones y saber seleccionar qué quedará dentro (y qué quedará fuera) del video.
En cambio, esos editores suelen desaprovechar el uso de planos muy útiles para enriquecer sus programas y atrapar así la atención e interés de sus espectadores. Esos planos incluyen a los “inter” cortes, planos detalle, planos de color, planos de reacción, planos subjetivos, entre otros. Por supuesto, lo ideal es que el camarógrafo los haya capturado durante la grabación; sin embargo, cuando el encargado de grabar no hace bien su tarea, el editor atento –y que no se conforma– puede buscarlos y extraerlos del material que le sea entregado. (De ahí la importancia, una vez más, de no cometer el error número uno). Una de las consecuencias de cometer este cuarto pecado es terminar con programas pobres, aburridos, fastidiosos y con problemas de continuidad.

TIP. Elige un párrafo cualquiera de un periódico o revista y copia todas y cada una de sus palabras en tarjetitas (cada palabra en su propia tarjeta); no olvides copiar también los signos de puntuación. Ahora selecciona algunas de las palabras para formar una nueva oración (o varias oraciones). Si necesitas usar varias veces una palabra que sólo aparece una vez, puedes hacerlo. Lo mismo con los signos. Fíjate que mientras más largo sea el párrafo que elijas, menos difícil podría ser construir un nuevo texto que resulte coherente; fíjate también cómo lo escribes, podría no parecerse mucho al texto original. Más o menos así es editar videos.

 

5. “PROLONGACIÓN” (innecesaria de planos).

Otro error muy común cometido por editores de video principiantes o inexpertos es dejar que los planos incluidos en sus programas tengan duraciones inapropiadas, generalmente los dejan laaaaargos en demasía. Cuando un espectador ve una imagen en pantalla, normalmente tiene una tendencia a “leerla”. Su atención sobre ella se incrementa mientras trata de captar tanta información como le sea posible; cuando eso ha ocurrido, su atención decrece y si el plano continúa ahí por más tiempo, el interés de ese espectador por el programa también se irá desvaneciendo. Un editor profesional generalmente sustituye un plano por otro en la pantalla cuando calcula que el espectador ya ha visto todo lo que necesita. 
Recuerda, no todos los planos de un programa tienen la misma función ni el mismo valor o peso. De ahí que, a veces, un plano abierto podría prolongarse un poco más de lo esperado, mientras que un plano cerrado como un close-up o un plano detalle, por ejemplo, podría ser muy breve (pero cuidado aquí para no cometer el otro extremo del error: incluir planos tan breves como destellos que no permiten apreciar nada y terminan por alterar y hasta irritar).

El contexto juega un papel importante en todo esto: hay películas con planos notoriamente largos donde aparentemente nada ocurre. Algunos realizadores suelen usarlos porque desean generar suspenso, o la sensación de que “algo va a pasar”. Sin embargo, si eso no sabe manejarse, lo que se consigue es decepcionar y aburrir. 

Muchos editores novatos o aficionados pasan completamente por alto, que las secuencias de un video profesional tienen (como la música) un ritmo y un pulso, dados por la variación en la duración de los planos. No es casual que en una película, por ejemplo, una secuencia así llamada “romántica”, esté integrada principalmente por planos mas bien largos que a su vez estén conectados por lentos “dissolves”; y que en otro momento de esa misma película, una secuencia de “acción” (ya sabes, persecuciones en vehículos o a pié, pleitos con armas o a puños, bailes, etc.) contenga muchos planos y muy breves.

Por todo esto, ver un video en el que la duración de sus planos fue abandonada a su suerte, puede resultar tan aburrido como escuchar a alguien tocar un instrumento musical sin la más mínima idea de la diferencia entre un ritmo y otro; o peor aún, tan fastidioso como escuchar que alguien aporrea un pobre piano o guitarra.

TIP. Para que pruebes un poco cómo es ajustar la duración de los planos de un programa a un ritmo y pulso establecidos, realiza un video musical donde las imágenes ilustren directamente lo que narre la letra de la canción.

6. “CONFUSIÓN” (provocada por uso inadecuado –o abuso– de transiciones, efectos especiales, filtros y títulos).

 

Este es probablemente uno de los pecados de la edición de videos que más se cometen con conocimiento de causa. Muchos editores saben –o por lo menos sospechan– que están pecando, ¡pero no se detienen! Hay que admitirlo: la tentación es enorme.

 

Con la impresionante cantidad y variedad que los sistemas de edición actuales pueden ofrecernos en lo que se refiere a efectos de transición, es realmente difícil para un novato no querer usarlos todos y como sea. Después de todo, parecería que lo único que se necesita es hacerle clic a un botón. Pero los profesionales saben que se requiere mucho más que eso, pues los efectos de transición –incluyendo el aparentemente simple corte directo– son verdaderos signos de puntuación que, cuando no se sabe como usarlos, lo único que logran es confundir al espectador.

Los efectos especiales –tanto de video como de audio– son recursos que pueden enriquecer muchísimo algunos tipos de video, para no hablar de lo divertido que puede resultar crearlos y usarlos. Pero dominarlos y sacarles el máximo provecho requiere práctica y habilidades que no todo mundo tiene. Mal empleados pueden empobrecer un video así como distraer y ahuyentar al espectador.

En cuanto a la capacidad de procesamiento de imagen (filtros) que los editores tienen a su alcance, mucha gente corre el riesgo de desarrollar vicios como la terrible tendencia a grabar como sea y sin preocuparse porque “al fin y al cabo todo siempre puede arreglarse en la post-producción”. Mal. Es lamentable que el trabajo de un editor, pudiendo ser constructivo y creativo, quede reducido a una mera labor de rescate y reconstrucción.

Y cuando se hace uso –o abuso– de esos filtros solamente porque son llamativos, todo lo que se logra es distraer y confundir al espectador. Por último, hablando de títulos, ¿te has fijado que los créditos al inicio de una película suelen estar fuertemente relacionados con el contenido de esa película? Y en todo aspecto: la tipografía, el color, la forma en que aparecen y desaparecen de la pantalla, el fondo sobre el que son colocados y su posición, el tiempo que duran ahí –todo. Añadir créditos y títulos a un programa es todo un arte. Otra vez, si no se saben manejar, pueden producir confusión.

7. “SORDERA” (ante la consistencia y calidad del audio).

Este último pecado en nuestra lista no es en absoluto el menos importante o grave. De hecho, es uno de los peores que puede cometer un editor de videos. Consiste en concentrarse y trabajar únicamente en la parte visual de un programa, dejando la porción de audio completamente en el olvido. Que se arregle como pueda.

Los problemas empiezan cuando se ha cometido ya el pecado número uno. Al editor le llega audio con frases –o música– mutiladas al principio y/o final; sonido incomprensible por culpa de ecos, reverberaciones y ruido; planos con enormes diferencias de volumen –en fin, una serie de calamidades producto de no prever y de grabar sin pensar en la edición.

Si además el editor del video después no hace todo lo que esté a su alcance y echa mano de todas las herramientas y técnicas que conozca para arreglar o pulir ese audio, el programa terminará –como es de esperarse– con toda la apariencia de un video 100% aficionado, que puede confundir, aburrir y hasta irritar a los espectadores.

 

El camino para evitar cometer este desastroso pecado es largo y penoso, ¡pero vaya que vale la pena! Para ello, el editor depende de que la persona que graba ponga tanto esmero al grabar el audio como el que pone para grabar las imágenes –incluso más. 

Es óptimo cuando el camarógrafo controla de manera manual los niveles de grabación de audio –si su cámara lo permite–; cuando le conecta a su videocámara micrófonos externos de buena calidad colocados cerca de las fuentes sonoras; cuando usa también audífonos para verificar en todo momento que esos micrófonos están funcionando correctamente; cuando cuida que las frases de quienes hablan y la música no queden mutilados; y cuando captura varios minutos de sonido ambiente en cada locación donde graba.

Con una grabación de audio así de cuidada, el editor –para empezar– podrá entonces empatar el volumen de cada plano con el de sus planos adyacentes; ajustar el audio de cada plano para que no haya bloques mutilados; añadir bloques de sonido ambiente donde sea necesario para generar o reforzar la sensación de realismo y continuidad; añadir música de fondo apropiada para el programa –o para algún segmento de él– creando efectos o atmósferas sorprendentes (¿sabrá el editor, sin embargo, que no siempre puede usar la música que él quiera para todo lo que quiera sin violar las leyes de derecho de autor? ¡Quién sabe!); añadir efectos de sonido (pajaritos, viento, motores, portazos, etcétera) para lograr los niveles de impacto que solo ellos pueden ofrecer.

 

Sí, suena como que es mucho trabajo. Pero es la forma en que los profesionales impiden que todo el cuidado que pusieron al grabar y editar sus maravillosas imágenes se vaya como por la coladera por culpa de un deficiente audio que no está a la altura del video.

Muy bien, ahí los tienes. Siete errores muy comunes que pueden arruinar las ediciones de tus videos. La idea es que los conozcas bien, trates de no cometerlos y, tal vez, solo con eso tus programas empiecen a tener la apariencia de los videos bien editados.

Dedicado a Jim Stinson.